A la deuxième Biennale de Montréal, l’exposition Le Grand Balcon donne forme, à travers les œuvres d’une soixantaine d’artistes, à une esthétique de la résistance face aux fractures de l’époque. Et s’impose comme un événement des plus stimulant.
Depuis que les années 1990 ont consacré leur modèle dans le champ de l’art, les biennales d’art contemporain (passant d’une dizaine à la fin des années 1980 à plus de cinquante aujourd’hui dans le monde) portent la promesse d’un point de vue sur l’art et sur l’état du monde.
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A la différence des foires, leur déconnexion du marché en fait aussi un lieu dégagé de l’obsession des cotes et des marchandages. Pour autant, comme le souligne l’historien de l’art Paul Ardenne, “toute biennale, pour se rendre crédible, se doit d’incarner un modèle plastico-analytique cohérent et se présenter comme un manifeste”.
Brouiller les certitudes
Avec Le Grand Balcon, titre inspiré de la pièce de Jean Genet, la nouvelle Biennale de Montréal s’inscrit dans ce mouvement général dominant cherchant à faire à la fois trace et symptôme. Mais, au-delà d’être un manifeste esthétique précis et univoque, elle sert davantage à brouiller les certitudes et à poser des questions plutôt qu’apporter des réponses à tout ce qui agite notre époque.
Ce qui anime depuis deux ans sa directrice, Sylvie Fortin, c’est de faire de cette biennale un espace qui “surprenne le plus possible”, en espérant que la prise de risque artistique assumée fasse de la ville québecoise une “plaque tournante” de l’art contemporain mondialisé.
“Générer des expériences qui ouvrent un espace mental permettant de repenser certaines de nos questions les plus pressantes”
“Le Grand Balcon vise à générer des expériences qui ouvrent un espace mental permettant de repenser certaines de nos questions les plus pressantes”, précise le commissaire de la biennale, Philippe Pirotte, historien de l’art belge installé en Allemagne, ancien directeur de la Kunsthalle de Berne.
Surtout concentrées au musée d’Art contemporain de Montréal (MAC), mais aussi dans la galerie de l’université du Québec à Montréal ou au musée des Beaux-Arts, qui accueille le peintre Kerry James Marshall (et une magistrale rétrospective Robert Mapplethorpe), les œuvres de près de soixante artistes (avec une forte présence féminine) dénotent ce que Pirotte appelle une “préférence pour des images d’une profonde résonance historique qui nous ancrent matériellement et sensoriellement dans le moment présent”.
Défaire les identités
Les œuvres font l’effet d’une caisse de résonance de l’état du monde, en visant à “développer un espace récalcitrant qui donne forme à une esthétique de la résistance à la violence de la quantification et de la catégorisation, de la dénomination et du contrôle”.
La résistance, qui de l’artiste au spectateur invente à chaque fois son propre parcours, se déploie dans la matière même des œuvres, rétives à toute catégorisation, autant que dans les récits, parfois directement politiques. Tous les médiums, de la peinture à la performance, de la vidéo à la sculpture, s’attachent, dans un geste commun, bien que fragmenté, à défaire les identités et déstabiliser les conventions contemplatives.
Dans ses toiles quasi vidées de tout principe de représentation tangible, brouillées et pourtant figuratives (Dog, Doha), l’artiste belge Luc Tuymans creuse sa mémoire pour (dé)peindre le monde plutôt que l’observer directement. Peindre pour se défaire du monde visible. Une peintre américaine, Nicole Eisenman, figure dans deux toiles, Shooter 1 et Shooter 2, la question des fusillades dans le contexte de tension entre la police et la population noire.
Minorités et pop art
Dans une vidéo, A God Passing, l’artiste français David Gheron Tretiakoff filme dans les rues du Caire le déplacement de la statue de Ramsès et les réactions que cet objet sacré suscite chez les citoyens, en colère contre leurs dirigeants, préfigurant la révolte populaire de 2011. A travers une série de dessins sur papier brûlé (Immolation), réalisés cigarette à la main, représentant des martyres auto-immolés durant les révolutions arabes, Tretiakoff suggère la puissance de subversion et d’étouffement des sociétés arables actuelles.
Dans la vidéo Cemetery of Uniforms and Liveries, l’artiste néo-zélandais Luke Willis Thompson s’inspire des Screen Tests de Warhol (des portraits muets ralentis à 16 images/seconde), en filmant deux jeunes Noirs victimes de brutalité policière, pour mettre en lumière la faible présence des minorités à l’époque du pop art. Comme une manière de relier l’histoire de l’art et ses points aveugles à l’actualité.
De jeunes corps androgynes se cognent contre les murs et dérivent dans la froide tristesse d’un monde alangui
La résistance infra-politique se joue aussi sur des fronts plus magiques, comme dans les sculptures étranges de l’artiste coréenne Haegue Yang,et surtout des fronts intimes, comme dans la magnétique installation vidéo de l’artiste canadienne Moyra Davey, Hemlock Forest, qui se filme dans un appartement en lisant des lettres familiales et littéraires, sous forme d’hommage habité au sublime film de Chantal Ackerman News from Home.
Cette mélancolie, adossée à un sentiment de perte, pouvait aussi transparaître dans la performance (Angst 3) de l’artiste allemande Anne Imhof qui, le soir de l’ouverture de la biennale, sidéra les spectateurs par la présence, dans une salle blanchie par la fumée et glacée par une solennité crépusculaire, de faucons impassibles, les yeux bouchés, devant lesquels défilaient, comme un cortège funèbre, de jeunes corps androgynes se cognant contre les murs et dérivant dans la froide tristesse d’un monde alangui, dont la Biennale de Montréal capte tous les échos à l’envi.
Le Grand Balcon jusqu’au 15 janvier, Biennale de Montréal, Canada
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