Pionner de la manipulation sonore et vulgarisateur de l’électro, Jean-Michel Jarre n’a pas cessé d’ouvrir des portes. Au moment où il réunit sur son nouvel album un casting haut de gamme (Air, Massive Attack, Moby ou John Carpenter), retour sur une carrière sans équivalent.
Enfant, vous avez été influencé par votre grand-père qui était musicien…
{"type":"Pave-Haut2-Desktop","device":"desktop"}
Jean-Michel Jarre – Il jouait du hautbois mais c’était aussi un ingénieur, un inventeur. Il a créé une des premières consoles de mixage et aussi l’ancêtre du walkman et de l’Ipod, le premier tourne-disque portable, le Teppaz. Il m’a certainement donné ce virus du lien entre la musique et la technologie.
Ado, vous aviez un groupe de rock. Et pourtant, en même temps vous avez commencé à triturer des bandes. Comment est-ce arrivé ?
Oui, j’étais dans un groupe qui s’appelait Dustbin, quel nom atroce ! A côté, avec un vieux magnétophone que mon grand-père m’avait donné, j’enregistrais des solos de guitare ou de l’orgue. Je passais le résultat à l’envers ou je modifiais la vitesse de la bande. J’avais déjà cette volonté de trafiquer le son du groupe. Au point que le père du batteur, critique musical à Radio France, m’a conseillé de me brancher avec le Groupe de Recherche Musicale (G.R.M.) que je ne connaissais pas à l’époque. J’y suis allé et là je suis tombé dans la casserole. Pierre Schaeffer a été mon professeur, mon mentor. Lui, le premier, a déclaré que la musique n’était pas seulement faite de notes mais aussi de sons. C’était marrant de le voir en costume-cravate devant des platines en 78 tours…on aurait dit Kraftwerk bien avant l’heure !
Comment était l’ambiance au G.R.M. ?
D’abord, en 1968, la musique électro-acoustique, c’était l’idéal pour se rebeller contre toute forme existante, y compris contre les canons du rock. Au G.R.M, il y avait un côté extrêmement sérieux, une arrogance intellectuelle. Xenakis disait : « attention, tout ce qui procède de l’émotion est suspect ». En même temps on trouvait au G.R.M. un esprit frondeur et bricoleur qui a donné lieu aux Shadocks. J’aimais beaucoup cette schizophrénie mais, au bout d’un moment, je me suis rendu compte qu’il ne fallait pas vouloir réinventer la roue ! Schaeffer lui-même me l’a conseillé : « ne perds pas ton temps à continuer à faire du laboratoire, ta vie et ton rôle c’est d’aller vers le public« .
Vos premiers morceaux, présents sur la compilation Rarities (2011) datent de cette époque-là.
A l’époque, on n’avait absolument pas le droit d’aller dans le studio de Bernard Parmegiani, un des compositeurs « installés » du GRM. Son studio était fermé à clé mais on s’était fait faire un double et, la nuit, on allait pirater son matos. C’est comme ça que des morceaux comme La Cage sont nés. Happiness is a sad song résulte lui d’un exercice : on s’enfermait pendant 4 ou 8 heures avec un magnéto, un instrument, l’accès à une librairie sonore… et il fallait composer un morceau. Ce titre, Happiness is a sad song, est un oxymore, presque un paradoxe : une mélodie d’apparence joyeuse cache une mélancolie souterraine. C’est prémonitoire de ce que je ferai plus tard sur Oxygène.
Vous voyez Oxygène comme une œuvre mélancolique ?
C’est un album très dark ! A commencer par la pochette avec le crâne à l’intérieur de la planète. Moby m’a raconté quel était son sentiment quand il a découvert Oxygène: « J’étais dans la banlieue d’une petite ville américaine, tout d’un coup j’ai eu entre les mains quelque chose qui n’a rien à voir avec mon environnement, quelque chose liée à l’espace, la science-fiction ».
https://www.youtube.com/watch?v=IE9jShG9sD0
L’album s’est vendu à 18 millions d’exemplaires. Comment avez-vous accueilli ce succès monstre ?
Je ne m’y attendais pas du tout. D’autant qu’Oxygène a été refusé quasiment partout. « Mais qu’est-ce que c’est ? Il n’y a pas de batteur, pas de chanteur, les morceaux de dix minutes ne passeront pas à la radio ! » Quand l’album est sorti chez Francis Dreyfus, un label indépendant, les premiers exemplaires ont été retournés, les gens pensaient qu’il y avait un problème technique… C’était très loin d’être gagné ! Finalement, Radio One a passé l’album entier, ce qui a fait démarrer les choses à l’international.
Vous sortiez de plusieurs années de collaboration avec Christophe pour qui vous aviez été parolier. Autre trace de schizophrénie ?
Pour moi, c’était naturel. Après être sorti du G.R.M., j’avais envie de faire des travaux pratiques et les studios des maisons de disque, c’était la caverne d’Ali Baba ! Christophe sortait des « Marionnettes » et d’ »Aline », il avait la volonté de faire des concept-albums. Les paroles, je m’y suis collé avec l’idée d’approcher les mots sur un plan phonétique et sonore. Avec des dogmes, genre si Christophe chante une chanson d’amour, interdit de mettre le mot « amour » dans le texte. Je suis heureux d’avoir contribué aux Paradis Perdus et aux Mots bleus, deux albums fondateurs.
Récemment, Bernard Szajner, le créateur de la harpe-laser regrettait d’avoir inventé cet instrument « trop spectaculaire » qui détournait les spectateurs de la musique. Avez-vous des regrets quant à vos shows des 80’s ?
J’aime beaucoup Bernard Sjzajner, c’est lui qui a fabriqué ma première harpe-laser, celle que j’ai emmenée en Chine. C’est vrai que laisser une grande place à la scénographie a pu, à un moment, établir un écran de fumée entre ma musique et le public. Dans les années 80, tous les excès étaient permis, les concerts de rock hypertrophiés. C’était une période assez noire où il était facile de perdre ses repères avec en plus des escrocs…Mais ma vie, c’est la musique, la scène n’est que son prolongement et pas l’inverse.
Pourquoi se lancer dans Electronica, ce gros défi ?
J’avais envie, depuis longtemps, d’aller à la rencontre de gens liés directement à la technologie, qu’ils tiennent de l’animal analogique et/ou du geek numérique, des artistes qui sont aussi des sources d’inspiration. Là, plutôt que d’envoyer un fichier à l’autre bout du monde, il s’agissait de se voir, de passer du temps ensemble. J’ai été surpris de voir que dans ma wishlist, tout le monde a dit oui. Au point que le projet a grossi plus que je ne le pensais, et est devenu mon Kill Bill.
Vous n’avez pas contacté Kratftwerk ou Daft Punk ?
Aujourd’hui, Kraftwerk, c’est seulement Ralf et il ne fait plus de nouvelle musique, il revisite le patrimoine de son groupe. Les Daft Punk sortaient d’un album-manifeste, ils voulaient prendre leur distance avec le monde de la musique électronique pour revisiter le disco et toute la période 70’s. Donc Tangerine Dream et Air me semblaient plus pertinents.
Les scènes électro allemande et française se ressemblent-elles ?
Il y a toujours eu chez les musiciens allemands une approche plus robotique et froide, une apologie de la machine. De l’autre côté, les artistes français comme moi ou Air, nous avons une approche beaucoup plus impressionniste des choses. On la retrouve depuis Debussy, Ravel, Satie, même dans le cinéma de Rohmer.
Parmi vos invités, figure Peter Townshend de The Who…
Il était haut sur la liste ! Ce groupe m’a toujours fasciné parce que ces 4 musiciens n’écoutaient pas les autres et construisaient un mur de fréquences très sensuel. Townshend est celui qui a intégré les séquenceurs et les synthés dans le rock anglais, avec Baba O’Riley et Who’s Next. Il a aussi inventé l’opéra rock, s’est posé très tôt une question : comment visualiser la musique d’une autre manière.
Sur la chanson Rely On Me, Laurie Anderson incarne une intelligence artificielle. Comment jugez-vous l’importance croissante de la technologie dans nos sociétés ?
Un smartphone, on le caresse plus souvent que son ou sa partenaire. C’était amusant d’imaginer avec Laurie une chanson d’amour entre un objet connecté et un humain. Il y a un côté sombre de la force – si je puis dire – dans la technologie. C’est pourquoi je suis un admirateur absolu d’Edward Snowden, un des héros modernes du XXIe siècle, un lanceur d’alerte.
Electronica 1 – The Time Machine (Columbia/Sony)
{"type":"Banniere-Basse","device":"desktop"}