La Foire Internationale d’Art Contemporain (FIAC) bat son plein à Paris, qui devient l’espace d’une semaine l’épicentre du monde de l’art. Visite guidée et décryptage.
« En tant qu’êtres humains, nous aimons nous abandonner à un système que nous chérissons parce qu’il est familier« . Lundi dernier, Camille Henrot prononçait ces quelques mots afin d’expliquer la structuration de sa carte blanche Days are Dogs au Palais de Tokyo. Au compartimentage des séries par salles venait effectivement se superposer l’organisation thématique de l’exposition selon les jours de la semaine. Chacun affectés d’une résonance intrinsèque, ils sont pour l’artiste à l’image des multiples systèmes que s’inventent l’être moderne dans son infinie tentative d’organiser et de compartimenter l’accumulation d’injonctions, de sollicitations et de désirs dissonants. Lundi donc, jour de « rentrée » hebdomadaire, entaché de la mélancolie du retour au travail, que l’on passe tiraillé entre l’envie de se retirer dans le cocon domestique et l’impulsion créative des recommencements. Alors qu’était, par cette exposition, également donné le top départ de la semaine de la Foire Internationale d’Art Contemporain (FIAC), sorte de rituel à mi-chemin entre la Grand Messe et le Gros Bordel, ces paroles résonnaient d’autant plus intensément aux oreilles du féru d’art.
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Le paysage des foires parisiennes, état des lieux
Précisément, lors de la semaine de la FIAC, véritable via crucis pavée de surstimulations visuelles, il est toujours bon de savoir à quoi s’en tenir. Où aller chercher les valeurs sûres ? Où aller traquer le cool ? Débusquer les jeunes pousses qu’on s’arrachera dans cinq ans ? Se rassurer sur ses goûts d’il y a dix ans ? Justement, depuis quelques années, il n’aura échappé à personne que la carte des foires parisiennes, leurs rapports de force et leurs fonctions respectives, est en plein chambardement. Exit les foires « off » dédiées à la jeune création satellites de la foire officielle, la pluralisation des initiatives pop-up young et international ou le saucissonnage des foires selon le médium ou la tranche géographique (à l’exception sans doute de l’excellente Asia Now, organisée concomitamment mais orientée vers un public plus spécialisé).
Depuis deux ans déjà, le rapport de force principale s’est resserré autour de deux événements majeurs : la FIAC évidemment, sise sous les verrières du Grand Palais, qui accueille pour sa 44e édition 193 galeries en provenance de 29 pays ; et Paris Internationale, trois éditions au compteur, initiative associative et autogérée fondée par cinq galeries (quatre parisiennes, du quartier de Belleville plus exactement, Crèvecoeur, High Art, Antoine Levi et Sultana, et une zurichoise, Gregor Staiger), accueillant cette année cinquante-quatre galeries.
L’an passé, tout était encore simple. Les deux foires étaient installées dans le 16e arrondissement, à quelques pas l’une de l’autre. Cette année, si la FIAC rempilait pour le Grand Palais (qu’on nous annonce bientôt en travaux), Paris Internationale prenait ses quartiers dans les anciens bureaux du journal Libération, à République. L’éloignement géographique, un symbole ? Pas forcément en soi, puisque les deux premières éditions de la petite sœur illégitime de la FIAC avaient déjà eu lieu dans un espace différent à chaque fois. Il n’empêche qu’une fois le tour fait, les stands inspectés, les galeristes interrogés, le constat est là : un dérèglement des structures mentales jusqu’alors tenues pour argent comptant. Pourquoi ? En réalité, la nouvelle donne ne vient pas tant de la nouvelle venue, occupant un terrain qui manquait cruellement de représentation, que du réajustement de la ligne de la matriarche nommée FIAC, qui s’offre l’une de ses éditions les plus jeunes, aérées (en termes d’espace et d’esprit) et cool (on y reviendra).
Le rez-de-chaussée de la FIAC, morceaux choisis
Au rez-de-chaussée, concentrant les poids lourds, le panorama reste sensiblement le même : un quart de galeries françaises, les méga-galeries de provenance majoritairement anglo-saxonne (notamment Gagosian, Marian Goodman, Pace, Paula Cooper, David Zwirner, Sprüth Magers), les asiatiques (Tomio Koyama du Japon ; Kuijke de Corée ; Vitamin Creative Space de Chine) et quelques nouveaux pays. De même, pas vraiment de surprises en termes d’œuvres présentées. A savoir assez peu de stands monographiques, à quelques exceptions près, dont l’installation arachnéenne Tomas Saraceno, qui sera présenté l’an prochain à la même période au Palais de Tokyo, chez Esther Schipper ; les ballons miroirs en fibre de verre ultra instagramables de Jeppe Hein chez 303 ; Marcus Schinwald chez Gio Marconi. Et une vraie découverte chez Miguel Abreu : la peinture de l’américain Pieter Schoolwerth, né en 1970, attentif à traduire les effets de recouvrements entre monde online et offline dans une veine futuriste, dont la galerie présentait ici deux séries : les Waiting Room et les Privacy Settings.
Le reste relève davantage de l’exercice du glanage pour le visiteur naviguant entre les ilots isolés d’œuvres – on peut aussi s’essayer à recomposer les séquences en pointillés à travers les stands, à travers la récurrence de quelques artistes, Camille Henrot évidemment (chez kamel mennour qui lui consacre actuellement une exposition à Paris, Metro Pictures, Koenig), Seth Price (Capitain Petzel ; Reena Spaulings) ou Avery Singer (l’effet Camille Henrot également, qui a invité l’artiste dans son exposition). Egalement repérés au cours de l’exercice, la déconstruction de stéréotypes genrés d’une toute nouvelle série de Merlin Carpenter chez les berlinois de Neu ; l’ensemble d’œuvres de KAYA, nom de la collaboration que mènent Kerstin Brätsch et Debo Eilers depuis 2010, série de corps mutants déréglés résultant de l’agrégat des matériaux des pratiques des deux artistes, respectivement peintre et sculpteur (également montrées à Internationale par Deborah Schamoni) ; ou encore les muraux de ceintures en cuir de Monica Bonvicini chez König.
Que fait la jeunesse ?
Mais l’essentiel se joue ailleurs. Ailleurs, c’est-à-dire à l’étage, le long des coursives, habituellement dévolues aux galeries plus pointues. Parmi elles, le Secteur Lafayette – le groupe paye la moitié du coût de la location du stand – regroupe depuis 2009 des galeries sélectionnées pour leur engagement en faveur de la création émergente, au nombre de dix cette année : Bernhard (Zürich), Experimenter (Calcutta), Freedman Fitzpatrick (Los Angeles), Gypsum (Le Caire), Instituto de Visión (Bogotá), joségarcía mx (Mexico), LambdaLambdaLambda (Pristina), Queer Thoughts (New York), SCHLOSS (Oslo) et Truth and Consequences (Genève). Alignées le long de la Galerie Sud, c’est la grande réussite de cette édition de la FIAC, où la présentation aérée et spacieuse permet la mise en avant de pratiques qui, a priori, n’avaient rien pour s’épanouir dans un contexte de foire. C’est par exemple des fragiles dessins pleins d’ironie d’Agnes Moraux chez SCHLOSS, ou d’artistes enracinant leurs pratiques dans l’écriture et la littérature, Diamond Stingily chez Queer Thoughts ou Kim Seob Boninsegni et Seyoung Yoon chez Truth and Consequences.
Deux galeries, Queer Thoughts et Truth and Consequences, qui l’an passé exposaient du côté de Paris Internationale, tout comme LambaLambdaLambda. Un symptôme ? Certainement. Symptôme tout d’abord de la capacité d’absorption à toute épreuve du mastodonte FIAC, qui a fait le choix de mener de front plusieurs lignes, et d’en affirmer clairement la séparation : les coqueluches du marché et le panier de crabes des puissants au rez-de-chaussée ; les pratiques émergentes à fort quotient intellectuel en haut ; et même le design, spécialisation historique de la foire à nouveau représenté dans un secteur à part.
La différence avec Paris Internationale est flagrante. Dans le bâtiment brutaliste, la part belle est faite aux artistes se situant dans la veine des identity politics (politiques de l’identité), depuis la sempiternelle question de ce qu’être artiste implique dans le contexte socio-économique présent jusqu’à la perpétuation des positions féministes et queer déjà solidement ancrées dans l’esprit de la foire. Sur le stand de la galerie parisienne, Joseph Tang Pepo Salazar abordait avec humour et finesse le décalage entre la notoriété des artistes de la bulle internet et les conditions quotidiennes réelles d’existence.
Plus loin, la profusion baroque et mutante des sculptures d’Athena Papadopoulos, lardées de perles, d’épingles et de fourrures chez Emalin donnait corps à l’idée d’une descendance illégitime de Niki de Saint Phalle et Tetsumi Kudo. Du côté de chez Union Pacific également, Zadie Xa filait la thématique de la parure carnavalesque comme tentative de détourner les assignations identitaires trop figées. A noter également, les échos fertiles entre le duo-show de la toute jeune et prometteuse galerie viennoise Gianni Manhattan qui présentait des sculptures, elles aussi tournant autour du corps augmenté (Matthieu Haberard) et d’une préciosité au dandysme morbide (Nils Alix-Tabeling) et les œuvres biomorphes de Jesse Darling galerie Sultana non loin. L’ancrage historique de ces problématiques était assuré par la critique du consumérisme US de Pippa Garner chez Redling Fine Arts ou les archives du dress-code queer de Hal Fischer chez Project Native Informant.
Au jeu des chaises musicales, les clivages esthétiques s’affirment
Le constat reste : l’homogénéité formelle des pratiques présentées à Internationale est flagrant. Echelle réduite, prédilection du fait main, des matières pauvres ou du clinquant cheap, grand retour de la céramique et du textile. Pas ou peu d’écrans, voire d’images en tant que telles tout court. La forme se délite, devient rugueuse, agitée de creux et de bosses ; travaillée de l’intérieur par les débris tant du passé que par la remontée mnésique des rebuts refoulés de la société. Faut-il alors y lire la traduction de l’un des écueils inhérent à l’exercice de la foire, a fortiori lorsqu’elle se veut indie et décloisonnée, où l’accumulation produira certes le dialogue mais également la décontextualisation des pratiques ? Ou au contraire l’affirmation d’un effet de scène qui dépasse le contexte de cette foire là en particulier, d’autant plus visible dans ce panorama de jeunes galeries, sans doute plus proche les unes des autres via l’économie globalisée de l’art qu’elles ne sont reliées à leur ancrage spatial local ?
S’il ne viendrait plus à l’esprit de grand monde de chercher l’émergence d’un nouveau mouvement ou d’une tendance artistique dominante, le constat d’un clivage esthétique renforcé au sein des jeunes galeries reste. Si l’on ne peut plus uniquement parler de la FIAC comme d’un rempart du goût établi ou des artistes déjà affirmés, la création émergente se scinde elle-même en orientations esthétiques marquées du fait de la pluralisation de ses contextes d’accueil. Pour en revenir à la notion cool effleuré en introduction, c’était ainsi bien à la FIAC, et pas seulement au secteur Lafayette, qu’il fallait aller le traquer. Voilà l’une des autres orientations esthétiques présentes : un cool international, lisse et tempéré, nourri d’images de papier glacé et de pixels anonymes.
C’était le cas chez Air de Paris (les peintures d’Elisa Douglas de Air Max chaussées) et chez Isabella Bortolozzi, dont le stand était une rare démonstration de maîtrise (au sens fort, avec une thématique S/M indéniable) alignant entres autres les têtes en caoutchouc de Jos de Gruyter & Harald Thys, les masques de latex noir de Leila Hekmat, deux œuvres historiques de Carol Rama et une photographie XXL de l’actrice porno Stoya de la série Iron Lady par Symonds, Pearmain, Lebon, engagés dans un flirt moite et serré avec la pub et la mode.Ultime buzz du monde de l’art, la collaboration donna lieu à un solo à la Galerie Bortolozzi à Berlin au printemps, associant le duo de stylistes Symonds Pearmin et le photographe Tyrone Lebon, autour du lancement de leur parfum « Iron Lady », mélange de 50% d’YSL Rive Gauche et de 50% de Chanel n°5. Un exercice virtuose jouant sur la dissolution du geste critique et la stratégie mimétique du pop réactualisée au XXIe siècle, et le signe que l’art, après la mode et la musique, est désormais également en mesure de définir le cool.
Incompatibles ces deux pistes esthétiques ? Absolument. Mais qu’elles aient toutes deux, aux côtés d’une multitude de variations plus subtiles, trouvées à s’exprimer dans le contexte de la semaine de la FIAC est en soi le signe de la vitalité de ce paysage éphémère qui s’agrège autour des foires. Les foires donc : une scène en soi, mobile et interne à l’économie mondialisée, que l’on se gardera bien, cette année plus encore que les précédentes, de rapporter à une quelconque scène locale ou nationale.
Foire Internationale d’art Contemporain (FIAC) et Paris Internationale, jusqu’au 22 octobre à Paris
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